푸생이 활동할 당시 프랑스에는 바로크 양식이 매우 성행하고 있었다. 이 때 궁정 화가로 활약했던 푸생은 프랑스의 고전주의를 창시하면서 자신의 심리적 내면세계에 충실한 독자적인 세계를 구축해 나간다.
푸생은 화면 안에서의 질서와 정연한 구성을 중시했으며, 바로크 양식을 대표하는 루벤스와 쌍벽을 이룬다. 하지만 푸생의 고전주의 역시 냉철한 인식에 근거한 고전주의라기보다는 바로크적인 영향을 많이 받은 것이었다. 격동적인 리듬과 극적인 요소들이 가미된 작품의 풍경들이 바로 이 일면이다.

무명 시절과 화가 수업, 그리고 로마에서 평성을 떨쳤던 전성기, 그리고 로마에서의 말년 시기 등으로 푸생의 생애는 구분된다. 여기서 주목할 만한 사실은 푸생이 파리의 화가였음에도 불구하고 로마에서 화가로서의 명성을 크게 떨쳤으며, 인생의 말년 또한 로마에서 보냈다는 점이다.
푸생은 18살의 젊은 나이에 로마로의 진출을 감행했다. 이 같은 결단의 동기는 라파엘로의 복제화를 보고 자극을 받았던 데 있었다. 바로크 양식으로 일관되었던 로마의 미술계는 그의 욕구를 충족시켜 주기에 충분했고, 푸생은 라파엘로의 데생과 리치아노의 색채를 배우기에 여념이 없었다.

죽은 그리스도에 대한 슬픔
1657~58년경


사비니 여자들의 약탈 1637~38

하지만 그는 루벤스나 란프란코의 무절제함을 용납할 수 없었다. 푸생은 로마 미술의 예찬자였다. 로마에서나 볼 수 있었던 균형과 사유적인 분위기를 그는 열렬히 찬양했다. 그리고 어떻게 해서든 자신의 작품 역시 고대의 그것들과 하나가 되기를 간절히 바랐다. 이후 그의 작품은 점차 양식의 변화와 함께 고전에 대한 동경의 흔적들이 나타나기 시작한다. 풍부했지만 기운 없어 보였던 에전의 그림과 달리 점차 그의 작품 세계는 장엄과 절제, 균형의 조화가 중심으로 등장하게 된다.

푸생의 작품을 이해하기 위해서는 푸생의 사상과 정신을 이해하지 않고서는 그 진가를 알기가 쉽지 않다. 푸생이 갖고 있었던 고도의 문학적 취향은 당대의 로마인들에게도 큰 관심거리였다.
그는 동서고금의 문학에 정통했다. 역사물과 소설류, 미술 서적은 물론이고, 다양한 학술 서적과 철학서의 섭렵도 게을리 하지 않았다. 이 같은 그의 문학적 소양들은 자신의 내면세계에서 재구성되었고, 이를 다시 작품으로 부활시키는데 결정적인 소재가 되었다.
푸생은 생활에서도 감정적인 행동이나 활동을 절대로 하지 않았다. 당대의 예술가들이 그랬던 것처럼, 불규칙적이고 충동적인 그림을 제작하는 일이 그에겐 전혀 없었다. 항상 균형 잡힌 하루 일과가 계획표처럼 빠듯하게 짜여 있었고, 이 일과를 진행하는데 기계처럼 충실했다. 푸생의 예술은 곧 자신의 삶과 하나로 일치되는 것이었다.

신화적 이야기가 푸생의 작품에는 다양하게 내재한다. 그 안의 인물들은 고대 조각이나 로마 전성기 시대의 르네상스 거장들의 영향을 크게 받았다. 물론 형식적인 면의 근원은 기계적인 그의 삶처럼 즉흥적이고 감정적이기보다는 의식적인 치밀함에서 비롯된다.
형태와 색채, 사상과 감정, 진실과 아름다움, 이상과 현실… 푸생은 이 모든 것들이 서로 조화를 이루는 중간 지점의 이상을 추구했다.

그는 자신의 작품에 대한 설명을 아끼지 않았다. 왜 그렸으며, 어떻게 그렸으며, 무엇을 그렸는지에 대한 장황한 설명을 항상 동료나 친구들에게 논리적으로 덧붙였다. 따라서 그의 작품은 복잡한 기계의 부속품처럼 낱낱이 분해되었고, 당대의 아카데미에서는 이를 본받아 전대의 거장들 작품을 이처럼 분해해서 평가하는데 주저하지 않았다. 물론 이와 같은 방법으로 작품을 평가한 결과 누구도 푸생 만큼의 작품성을 드러내지는 못했고, 그는 17세기 최고의 화가이자 프랑스 근대 회화의 시조로 경의를 한몸에 받는다.

알고 갑시다!

고전주의(Classicism)

고전주의는 평형과 질서, 엄격한 구성을 통한 조화를 중시한다. 고전주의는 미술뿐만 아니라 다른 문화의 영역에서도 고루 나타났던 예술 경향으로, 가장 근간이 되는 요소는 이성을 기초로 한다는 점이다.
진실과 자연을 존중하며, 윤리적이고 도덕적인 사회 인식도 고전주의의 요소들이다. 이는 신에게 종속되었던 중세의 분위기에서 인간의 독자성을 추구하고자 한 것으로, 고대 그리스 로마의 예술 작품 등에서 단면을 찾아볼 수 있다.
고전주의는 특히 17세기 프랑스에서 발전했는데, 절대군주제의 성립 과정에서 나타났다. 하지만 점차 부르주아적 계급의 모순과 부정이 드러나면서 형식주의에 빠지게 되었고, 결국 19세기초에 쇠퇴하고 만다. 다비드에 의해 부활된 신고전주의는 프랑스 혁명을 전후한 시민계급의 감정을 적극적으로 표현했다.

죽은 그리스도에 대한 슬픔 1657~58년경 캔버스 유채 아일랜드 국립미술관
십자가에서 내린 그리스도의 시신을 앞에 두고 성모마리아, 막달라 마리아, 성요한이 슬퍼하고 있다. 화면의 정면 중앙에는 그리스도가 누워 있고, 성모 마리아와 막달라 마리아는 그 위를 아치 모양으로 감싼다. 그리스도의 모습은 강한 조명으로 비춰 시선을 끌고 있으며, 그의 얼굴에 깃든 숭고함은 더욱 빛을 발한다. 반면 그늘에 가려진 성모는 비탄에 잠겨 있다. 이 명암의 대비로 인한 긴장감이 화면으로의 몰입을 주도하고 있으며, 하늘을 우러러 슬픔을 참고 있는 성요한의 포즈는 숭고한 분위기를 더한다. 바로크적인 성격이 강한 이 작품은 극적인 연출로 인한 내면 심리의 움직임이 뛰어나며, 이는 곧 푸생의 미학을 엿볼 수 있는 중요한 단서를 제공한다.

사비니 여자들의 약탈 1637~38 캔버스 유채 154×206cm 뉴욕 메트로폴리탄 미술관


작품에 담긴 이야기 속으로
작품의 배경은 고대 도시. 초기 로마는 여자가 절대적으로 부족했다. 따라서 로마인들은 그들의 부인을 그 부근의 사비니인 중에서 구하려고 했다. 그러나 사비니의 남자들은 그것을 허락하지 않았다. 그래서 로마인들은 하나의 계략을 세우게 되었는데, 평화로운 축제를 열어 사비니인 모두를 로마로 초대하는 것이었다. 그리곤 갑자기 무기를 들고 덤벼들면서 강제로 여인들을 약탈하는 것이다.
로마의 건국 전설에 나오는 이야기를 모티브로 한 이 작품은 다수의 인물을 등장시킴에도 불구하고 구도 면에서 어색함이 없이 정교하다. 등장 인물은 영웅적으로 일반화되어 있고, 이들에게는 각기의 개성이나 현실을 찾아볼 수 없다.
이들은 보는 이로 하여금 감각이 아닌 지성에 호소하며 형태와 구조가 강조되고, 색채는 뒷전으로 물러나 있다. 푸생은 루벤스나 카라치의 영향을 받고 있지만, 인물들의 동작은 조각 군상처럼 굳어져 있으며, 이는 곧 고전주의에 대한 동경과 예찬을 의미한다. 푸생이 추구한 회화 양식은 형체와 색채, 사고와 감정, 진실과 아름다움, 이상과 현실이 모두 조화되고 균형 잡혀 있는 미술 세계였다.