앵그르가 화단에 입문하던 시기, 프랑스 회화는 고대 그리스 로마의 미술을 가장 이상적인 아름다움으로 삼는 고전주의가 성행했다. 이 같은 시대적인 배경과 맞물려 앵그르는 신고전주의 화풍을 자연스럽게 이어받았고, 다비드의 뒤를 잇는 신고전주의의 대표 화가로 주목받기 시작한다.

하지만 앵그르의 작품 주제는 신고전주의와 낭만주의를 넘나드는 외도를 두려워하지 않았다. 그가 지닌 고전주의적인 성향의 이면에는 서로 다른 두 공간의 연결과 조합, 투명하고 분리된 빛의 광선을 이용한 풍부한 리듬감 등 낭만주의적인 요소가 다분했다. 따라서 신고전주의자들로부터 적지 않게 비난과 눈총도 받아야 했던 것이 사실. 많은 비평가들은 그를 낭만주의나, 혹은 신고전주의자로 단정하기 어려운 일면을 토로하기도 한다.
앵그르가 신고전주의의 역사에 새로운 거점이 되었다는 것은 누구나 인정하는 명백한 사실이다. 다만 그는 현실적인 아름다움 뿐만 아니라 동시에 이상적인 미를 추구하며 독특한 자신만의 영역을 구축해 나갔다.

젊은 시절부터 44세가 되던 해까지 이탈리아에서 유학을 했던 앵그르는 파리로 금의환향을 하였다. 이탈리아에서의 유학생활을 통해 그는 자신의 예술 세계를 한층 성숙하고 고조시킬 수 있는 중요한 경험을 얻었다.

샘 1856

그가 프랑스의 다른 고전파 화가들과 질적으로 다르게 평가받는 이유는 바로 여기에 있다. 이탈리아에 있는 동안 앵그르는 자신의 예술적 감성을 풍요롭게 했다. 당시의 고전주의 회화 양식은 형식에 너무 지나친 나머지 인간적인 감성이 싸늘히 식어 있었다. 하지만 앵그르에게는 현실에 대한 집착 뿐만 아니라 그 속에서 발견되는 아름다움 또한 놓치지 않는 능력이 있었다.

오달리스크 1814

특히 여인들의 초상이나 나체를 통해 드러나는 명쾌한 형식과 우아한 자태. 이는 그만이 가질 수 있었던 독특한 표현의 영역이었다. 이에 프랑스에서는 생기있고 발랄한 감성이 담겨져 있는 앵그르의 작품이 화단의 주목을 끌기 시작한다.
앵그르는 누구 보다도 자신의 재능을 믿었고, 화가의 길에 대한 확신이 있었다. 하지만 보잘 것 없었던 지방 화가로 출발했던 앵그르가 여러 명예직에 오르기까지는 매우 더딘 시간이 필요했다.

살롱전에서 <오달리스크> 등의 그림들은 기괴하고 혁신적이라는 혹평을 받았다. 하지만 앵그르는 이 같은 비평을 겸허하게 받아들였다. 잠시 로마로 돌아와 머물렀던 4년 동안 그는 생계를 위해 연필로 수많은 인물 소묘를 연습했는데, 당시의 작품에서는 모델들의 사실적인 모습 뿐만 아니라 사회적 지위, 그들의 민족성까지 정확하게 끄집어 내는 놀라운 표현 능력을 발휘했다. 하지만 1819년 파리 살롱에 출품한 작품이 또다시 혹평을 받기는 마찬가지였다.

소묘 부분에서 앵그르는 미술의 역사상 최고의 화가로 손꼽힌다. 정확한 소묘를 바탕으로 한 앵그르의 예술에는 비례와 균형, 조화라는 고전적인 원칙들이 우아하게 담겨져 있다. 이를 배경으로 그는 모든 대상의 영혼까지도 아름다움으로 형상화시키고자 했다.

생활인으로서의 앵그르 역시 그의 작품세계와 크게 다르지 않았다. 추하고 지저분한 것을 보면 그는 매우 신경질적인 반응을 보였다. 덕택에 그의 아내는 앵그르의 표정을 찌푸리게 하는 주위의 더러운 것을 매번 손으로 가려야 하는 수고를 해야 했다.

앵그르의 아버지는 장식미술가이자 아마추어 음악가였다. 어려서부터 아버지의 영향을 받았던 앵그르는 타고난 예술적 감각으로 아홉 살 때 첫 석고 데생을 해냈다. 아이의 솜씨답지 않은 근육 묘사와 명암 등은 그를 미술계의 신동으로 인정하기에 충분했다. 게다가 바이올린 연주도 수준급.
예술로 승화된 아름다움에 대한 그의 욕구는 항상 작품의 주된 모티브였다. 그의 눈은 늘상 아름다움을 꿈꾸고 있었다. 87세의 긴 생애를 마감하기까지 아름다움에 대한 그의 예찬은 예술혼으로 끊임없이 불타올랐다.

앵그르는 들라크르와의 그림에 나타난 극적인 명암과 소란한 움직임의 화풍을 경멸했다. 이들의 논쟁은 지금까지도 지속되어 왔지만 앵그르에 대한 천재성은 이미 인정되었다. 그는 이후 미술사에서 르느와르나 피카소 등 다수의 거장들에게 큰 영향을 미쳤으나, 정작 그 자신은 낭만주의적인 회화적 본능과 고전주의의 아카데믹한 원칙 사이에서 심한 갈 등의 분열을 일으키며 생애를 마감해야 했다.

야! 미술이 보인다

앵그르 예술에 영향을 미친 화가들

로마와 이탈리아 유학을 통해 작품 세계를 성숙시켰던 앵그르는 르네상스 시대의 거장 라파엘로의 영향을 많이 받았다. 특히 라파엘로의 <성모자와 성요한>이라는 작품 앞에서 감동의 눈물을 흘릴 정도였다. 이 같은 라파엘로에 대한 경의와 존경의 시선은 그의 작품 <라파엘로와 포르나리나>를 통해 등장한다.
신고전주의의 선구자이자 앵그르의 스승이었던 다비드의 영향은 필수적이었다. 다비드의 작품 <마라의 죽음>과 앵그르가 그린 <므와테시에 부인 초상화>. 두 작품은 모두 명확한 윤곽선과 입체감을 돋보이게 하는 명암법, 명쾌한 형태 등을 추구했던 고전주의 기법의 전형화된 표현양식을 보여주고 있다. 하지만 앵그르는 아름다움을 위해 인체를 다소 왜곡시키는 개성을 발휘했다.
앵그르는 다비드의 차갑고 딱딱한 고전주의 기법과 라파엘로의 우아한 아름다움을 동시에 고수하며 현실과 이상적인 아름다움의 조화를 펼쳐나갔다.

샘 1856 캔버스에 유채 165×80cm 파리 루브르 미술관
여인은 샘의 요정이다. 앵그르는 여체가 지니는 아름다움의 변화로운 곡선과 움직임을 정확하게 포착할 수 있는 능력을 지녔다.

오달리스크 1814 캔버스에 유채 91×162cm 파리 루브르 미술관
1819년 살롱에 출품된 이 작품은 신고전주의를 지지하던 평론가들에게 많은 비난을 받았다. 해부학적인 사실을 왜곡시켜 허리의 길이를 늘였다는 이유에서였다. 하지만 앵그르는 정확한 형태보다 선적인 음율을 더 중요시 했다. 앵그르가 이탈리아에 있을 때 나폴리 왕국의 카롤리네 여왕의 주문으로 완성된 작품이다.